Maalaus, Koreassa , muoto korealainen taidetta erityisen huomattavaa, ilmenee eniten eri muodoissa ammoisista seinämaalauksia säilynyt haudat Koguryo kuningaskunnan , buddhalainen bannerit voimakkaita värejä, maalauksia kirjaimin musteella, koristeelliset, vaikka maalaus harjoittama in nykytaiteen . Moderni korealainen maalaus sisältää myös korealaisten taiteilijoiden teoksia koko Korean , Pohjois- Korean ja Etelä-Korean alueella ja korealaisessa diasporassa ympäri maailmaa.
Piirustuksen, siveltimen ja musteen erilaiset muodot ovat oikeutetusti maalausmuotoja Kaukoidässä. Lukutaitoinen maalaus on kalligrafiataide, joka työskentelee linjalla ja enemmän tai vähemmän tuo vettä maalaukseensa. Tätä perinteistä viivamaalausta käytetään puukaiverrusten tekemiseen kuvitettujen kirjojen painamiseen, jotka ovat täällä maailman vanhimpia. Toisaalta esihistoriallisesti kiviin kaiverrettu muotoilu, kuten Bangudaen petroglyfien tapauksessa , liittyy yleisemmin korealaiseen taiteeseen .
Korealaisen maalauksen historian aikana maalausta on ollut kaksi luokkaa: ammattilaisten maalaus ja tutkijoiden maalaus. Maalauksia tutkijoita , kiinalaisen perinteen koska X : nnen vuosisadan ei markkinoida periaatteessa mutta vaihto tai annetaan lahjaksi. Ne on valmistettu musteella ja huomaamattomilla väreillä ("vaaleat värit"), silkillä tai paperilla, erityisesti mulperipaperilla . Maalausammattilaiset, jotka käyttivät laajasti värejä, vanhempia perinteitä, Korea IV - luvulla, koristivat joitain Koguryon aikakauden prinssihautoja, mutta myös hallituksen rakennuksia, merkittävien ja temppelien taloja ja näissä jumaloita edustavia julisteita, ja se oli käytetään festivaaleilla käytettävien naamioiden valmistuksessa. Nämä ammattilaiset suorittivat ainakin Joseon-ajanjakson lopussa tilauksia näytöille tietyille lukutaidoille ja kuvia rituaalisella toiminnalla, nämä minhwa , suosittu maalaus, joka tapaa myös haudoilla ja ovilla. Lopuksi shamaanimaalaukset, jotka ovat harvoin selviytyneet seremonioista. Maalauksen lisäksi ei pidä unohtaa puukaiverrusten pitkää perinnettä, joka antoi kuvituksia buddhalaisille teoksille. Nämä toimivat viitteenä modernin korealaisen taiteen virtaan Art minjung (in) .
Maalausten aiheet ovat siis erilaisia. Kuten kiinalaisessa maalauksessa , lukutaidon maalauksessa voidaan erottaa useita tyylilajeja: maisemamaalaus, sansuhwa ([vuori ja vesi], lähellä shanshui- maalausta ), muotokuvat ja lintujen ja lintujen maalaus. Eläimet, yeongmohwa (verrattavissa kiinalaiseen maalaukseen) "kukkia ja lintuja" , mutta hyvin erillisiä niistä). Nämä ensimmäiset aiheet, yksittäisissä rullissa, albumilevyillä tai faneilla, mutta jopa paperil lyhdyillä (kaksi jälkimmäistä joskus integroidaan kuten levysivut), tuottavat tutkijat Joseonin aikana ja tietyn hierarkian mukaan. Koreaan, joka asettaa bambun yläosaan, sitten maiseman, muotokuvan ja sitten eläimet, "kukat ja linnut". Ammattilaiset tekevät näytöistä, joihin mahtuu maisemia, kalligrafiamerkkejä, tyypillisten sisätilojen esityksiä: lukutaitoinen kirjasto ja monia muita kuvioita, joihin joskus liittyy geometrinen kuvio. Minhwassa on usein tiikeri ja harakka.
Ero ammattilaisten maalaamisen ja kirjeiden maalaamisen välillä perustuu uuskonfutselaisen ideologian mukaisiin tilaneroihin: kirjeiden maalaaminen (saatuaan kirjallisen kulttuurin), joka perustui kalligrafian ja pelien veden ilmaisuvoimiin tuella , valkoinen, käytti vain muutamia vaaleita värejä, kirkkaan värin käyttö olisi tehnyt maalauksesta mautonta ja haitannut mielikuvitusta. Vastaavasti uskonnollisessa taiteessa, varsinkin buddhalaisessa tuolloin, puurakennukset koristeltiin usein kirkkailla väreillä kiinalaisen arkkitehtuurin perinteiden mukaisesti. Samoin buddhalaisen ja intialaisen taiteen vaikutteet ajattelivat puhtaiden värien runsasta käyttöä.
Korean uskonnollinen maalaus noudattaa Aasian taiteen yleistä suuntausta. Se perustuu buddhalaiseen taiteeseen, joka edustaa buddhalaisia tai buddhalaisia munkkeja, ja konfutsianistiseen taiteeseen, edustaa tutkijoita levossa tai opiskelee vuoristossa. Buddhoja kuvataan usein korealaisilla kasvoilla lepoasennossa. Aura ei ole välttämättä kulta, se voidaan esittää vaaleammilla väreillä. Kasvojen esitys pyrkii kohti realismia, joka korostaa heidän inhimillisyyttään ja ikäänsä. Kasvot ja peitetyt XV- luvut eivät näytä "varjoa". Sitten ne merkitään musteella aivohalvaus, mutta sävyjä sallivat hieman täsmentää volyymit alkaen XVIII nnen vuosisadan. Kuten keskiajan ja renessanssin länsimaalaisten taiteilijoiden kohdalla, verhot ja kasvot tekevät usein kaksi tai kolme taiteilijaa, jotka ovat erikoistuneet tiettyyn maalaustekniikkaan. Ikonografia noudattaa buddhalaisen maalauksen buddhalaisen ikonografian sääntöjä.
Kuninkaiden ja tutkijoiden muotokuvat on esitetty kiinalaisen muotokuvan koodien mukaan, tasaisina väreinä ja musteina. Perinteinen puku on käynyt läpi vain pieniä muunnelmia, se on hanbok . Heidän yksivärinen leningit erottaa aikoja, vaaleanpunainen kuljetettavia teenharjoittajalla XVIII nnen vuosisadan. Perinteiset miesten hatut ( gat ) ovat aina mustanvärisiä .
Muinaisen Koguryon valtakunnan ( IV - vuosisadan jälkipuolisko - 668) alueella säilytettyjen hautojen määrä on noin 15 000, joista sata seinämaalausta, eniten Taedong- joen vesialueella lähellä Pyongyangia . Tänä aikana hautaa Enakin ( n o 3), olisi vanhin, päivätty 357, mutta aitous kirjoitettu musteella on kyseessä. Tiedeyhteisö näkee siellä kuningas Kogugwonin muotokuvan, joka kuoli toiminnassa vuonna 371. Tämän edustuksen lisäksi, joka on rakennettu Han-dynastian maalauksen koodien mukaan , jossa kuninkaan ympärillä ovat luutnantit ja hänen vaimonsa, tunnetuin maalaus on metsästys kohtauksia tanssijoiden haudassa, jossa partialaiset ratsumiehet ovat kiinni toiminnassa. Koguryon valtakunnan haudoissa monimutkaiset viitteet yhdistyvät, enemmän tai vähemmän tiheästi kaikkiin seiniin ja kattoihin. Keskeisten pisteiden suojaavien jumalallisuuksien motiivit, toistuvat motiivit, antavat mahdollisuuden tehdä nämä yhdistelmät rakentamalla nämä hybridiluvut ja leikkiä käyrillä, jotka ovat kietoutuneet toisiinsa mielellään.
Hōryū-ji- seinämaalaukset , yksi Japanin aarteista , maalasi Damjing , munkki Koguryosta .
Seinämaalaus. Kuninkaan vaimo ja hänen seuraajansa (?). Todennäköisesti 371.
Koguryon kuningas. Anakin hauta numero 3 , Hwanghae . Todennäköisesti 371.
Nuwa , kuun jumalatar, hauta Ohoe n o 4 . End VI th alkaa VII th luvulla. Dawangcun, Ji'an (Jilin)
Seinämaalaus. Partian metsästäjät . Muyongin hauta, Koguryo . V th luvulla. Ji'an (Jilin) , tällä hetkellä Kiinassa
Musta Turtle Pohjois / Black Warrior Wall maalaus, tulostaa. Kolme haudaa Kangsoa , tässä Gangseo Daemyo.
Amitābhan paratiisi . Seinämaalauksia Hōryū-ji , VII th luvulla.
Sillan kuningaskunnan (57 eaa.-935) maalaus ja kalligrafia ovat kadonneet kokonaan. Tang-ajan haudasta (706) löydetty maalattu seinä, prinssi Zhang Huain (Li Xian), edustaa sivujärjestöjen lähettiläitä, mukaan lukien Sillan lähettiläs, tyypillisellä päähineellä, kartiomaisella kruunulla kaksi sivuhaaraa.
Bodhisattva Avalokiteshvara kuussa. Pystysuora vieritys, muste ja värit silkillä. Goryeo, 1310. Kagami Jinjan temppeli, Shiga , Japani
Bodhisattva Avalokiteshvara kuussa. 1310. Sama, yksityiskohta. Värit silkkiä. Sarja: 430cm x 254 cm
Lotus Sutra . Käsikirjoitus, c. 1340, taitettava kirja, kulta ja hopea mulperipaperilla, värjätyt indigolla . H. 11,4 cm . Met.
Kshitigarbha (Chijang). Pystysuora vieritys, muste ja värit silkillä. H. 84,5 cm . Goryeo XIV - luvun alku . Met.
Kymmenes alamaailman kuningas. H. 61,2 cm.
Buddha Amitabha. Säilytetty Gyokurin-inissa Kiotossa
Tämän Goryeo-dynastian ensimmäisiä päiviä leimaa hyvinvoinnin kausi, joka näkyy pääkaupungissa ylellisyydellä, joka ilmenee siellä, rauhallisten taloudellisten ja kulttuuristen suhteiden ajan Songin kanssa ja jolla on suuri merkitys korealaisen kulttuurin kannalta. Hallinnollisten virkamiesten koulutus perustuu Kiinan koulutettujen malliin. runous on tärkeä osa sitä.
Buddhalaisuudella on siellä hallitseva, jopa läsnä oleva paikka. Rakennukset lisääntyvät ja toivottavat tervetulleeksi valtavan rikkauden, mikä vastaa "ansioiden" kasautumista sekä yksilöille että kansakunnalle. Dynastian perustajakunta Wang Kon oli vakuuttunut siitä, että hänen menestyksensä makasi kokonaan buddhalaiskirkossa. Luostareissa käsikirjoitusten kopiointi vastaa tätä eliittien vaatimusta, muodollistettavien "ansioiden" havaintojen kertymistä ylikuormitetuille sivuille, joka toimi huolellisesti ja kallisarvoisilla ja harvinaisilla materiaaleilla. Esimerkiksi Bodhisattva Avalokiteshvaraa kuvaava teos on erityisen arvostettu tyylikkyydestään ja hengellisyydestään. Buddhalle omistetut julisteet ripustetaan yleensä alttarin taakse pääsalissa; muut hahmot, bodhisatvat, arhatit , munkkien muotokuvat ja alamaailman kymmenen kuningasta, sijoitetaan toissijaisiin huoneisiin. Hyvin suurella määrällä kuvia, jotka ovat paljon vähemmän pyhiä, on vähemmän määriteltyjä paikkoja.
Keksimisestä Korean buddhalainen maalauksia tapahtui kahden viimeisen vuosikymmenen XX : nnen vuosisadan. Monet maalauksia poikkeuksellisen kaunista olivat luostareissa Japanissa, mistä XIV : nnen vuosisadan pidettiin Kiinan maalauksia. Vuodesta 1978 lähtien sata rullaa on tunnistettu Japanissa, Koreassa ja lännessä. Alun perin useimmat seinämaalaukset ovat nykyään harvinaisimpia (Pusŏkin temppeli, Yeongju ). Kiinassa vakiintuneiden perinteiden mukaisesti maalatut pystysuorat vieritykset edustavat useimmiten Amitābhaa - puhtaan maan buddhalaisuuden suuren suosion vuoksi - ja bodhisattvoja Avalokitesvara ja Kshitigarbha .
Maallisesta maalauksesta, jota kutsutaan "tietysti", väreillä korostettuna, on tuskin mitään jäljellä. Kuningas Kongminin (1352-1374) sanoman metsästyskohteen herättää jäännöksessään Mongolian ratsastajat ylittävän joen. Lisäksi koskien maalaus oppineita , jos niin sanottu maalaus Pohjois-Euroopassa - maalarit X : nnen vuosisadan kuten Li Cheng ja Guo Xi - on vaikuttanut joidenkin Korean maalaus, koska se on havaittavissa maalaukset johtuvan Ko Yon hui ( XIV th luvulla), kiinalainen maalaus School Etelä aikana Etelä Song (1127-1279) näyttää olleen tiedossa Koreassa huolimatta rajoitteista dynastian Jin (1115-1234) , Jurchen . Tokiossa kansallismuseossa säilytetty muste paperille säilyttäisi jäljen.
Seremonia: uhrit
Seremonia: uhrit
Seremonia: nuori sulhanen ja hevonen
Vanha puu, jossa on nuoria versoja
Korea Joseon (1392-1910) on nähtävä kaksi hyvin eri aikoja . Joseon-dynastian aikana, mutta jo aikaisemmin Goryeo-dynastian aikana, monet suuret maalarit olivat tutkijoita ilman hallinnollista tehtävää ja usein väkivaltaisesti poistettiin vallan piireistä, he menivät turvaan ja valitsivat eläkkeelle tietysti. Pois pihalta. Nämä ovat seonbi .
Iltakello temppelissä peitetty sumu . Tyyli Gyeon XV - luvun lopulla XVI - luvun alussa. Yksi parirulla, muste silkillä, kork. 88cm. Tavannut.
Seo Mun-bo. Maisema. Silkkimuste, XV - luvun loppu. Yamatobunkakan , Nara, Japani
Tutkija miettii jokea korkealta . Kang Hui-an (vuonna) , 1419-1467. Albumilevy, H. 23,5 cm. Korean kansallismuseo .
Shin Saimdang (1504-1551) (naismaalari), kukat ja hyönteiset [Chochungdo].
Yi Am . Pienet pennut, kukat ja linnut. 1500-1550. Muste ja vaalea väri, paperi H. 86 cm. Ho-Am-taidemuseo
Heo Mok (1595-1682), bambu
Yi Jeong, 1541-1622 Bambu tuulessa . Varhainen XVII th luvulla. Silkkimuste, H. 115,6 cm. Tavannut.
Ensimmäinen Joseon-jakso (조선 전기). Aikana XV : nnen - XVI : nnen vuosisadan tämän dynastian pyrkii rakentamaan valtakuntaa jossa eliitti olisi koulutettu, "valtakunnan oppineita." Se on eräänlainen Korean renessanssi vuosien 1400 ja 1600 välillä ja ylittää korealaisen taiteen, se koskee kaikkea korealaista kulttuuria. Kuten renessanssin Eurooppa näyttää muinaisen Rooman malleilta, niin Korea katselee myös Song-aikakauden Kiinaa. Yhteys tapahtui suoraan kuninkaallisen prinssi Anp'yongin (1418-1453) kiinalaisten maalausten kautta; taidemaalari Kang Hui-an ( 1419-1467) teki matkan Kiinaan ja tutki ilmeisesti päävirtoja. Kiinalainen lukutaitomaalauksen malli Koreassa tarjoaa mahdollisuuden omaksua kiinalaista alkuperää olevat teemat ja prosessit maisema- ja eläinmaalauksen genreissä. Neljän jalokasvin (bambu, iiris, luumu ja krysanteemi) ikonografia on myös kalligrafien tämän maalauksen erityinen elementti. Värit, vaaleat, läpinäkyvät ja tyylitetyt muodot eivät muutu merkittävästi kiinalaisesta lähteestä; muste , kaikilla sen sävyillä, jotka on laimennettu enemmän tai vähemmän vedellä, tarjoaa oleellisen valikoiman. Tuodut tekniikat vievät suuren osan, kuten maalaus paperille, joka on yleistymässä, koska muste toimii paljon paremmin kuin silkillä, kohtuuttomaan hintaan verrattuna paperiin. Mutta Ming-dynastian ihanteet unohdetaan usein vanhempien mallien hyväksi, joskus Song- aikakaudelta. Maisema herätetään itselleen eikä enää kertomuksen taustana.
Korealaisesta kiinalaisesta maisemamaalauksesta "vuori ja vesi" ( shanshui , kiina : 山水) tulee sansuhwa (산수화).
Tänä aikana kungfutselaisuuden vaikutus syrjäytti buddhalaisuuden vaikutuksen ainakin kuninkaallisissa taiteellisissa keskuksissa. Buddhalaistyylinen maalaus on siirretty yksityiseen tilaan, mutta se kehittyy edelleen, sen yksinkertaisuutta arvostetaan. Kaukana pääkaupungista pidetään yllä edelleen keskuksia. Tämän ajan erittäin värikkäät buddhalaiset julisteet voivat Tiibetin buddhalaisuuden innoittamana muodoltaan nousta 14m x 8m, ne ovat kwaebul taenghwa . Sitten heidät ripustettiin kahden pylvään väliin, kuten Buddhan syntymäpäiväjuhlien aikana. Myöhäinen bannereiden kehitys Koreassa vastaa uteliaasti ajanjaksoa, jolloin sekä Kiina että Japani kääntyivät Zen-tyyliin maalilla musteella.
Imjin sota (1592-1598), suhteessa Japanin, niin sotaa Manchus , joka päättyi vuonna 1644, pilalla maassa. Jälleenrakentaminen kestää melkein vuosisadan loppuun saakka.
Kirjasto. 6 paneelin näyttö lapsen huoneeseen tai toimistoon. Värit paperilla. H. 172 x L. 312 cm. 1700- luvun alku . Guimet-museo . Lee Ufan -kokoelma
Muotokuva Park Mun- suista (1691-1756) Pystysuora vieritys, muste ja värit silkillä. Korean kansallismuseo.
Inwang-vuori sateen jälkeen . Jeong Seon (Chong Son), 1676-1759. Muste paperilla, 1751. K 79 x L 138 cm. Ho-Am-taidemuseo
Virūpākṣa . Pellavan värit. H. 301 x L. 207 cm. Brittiläinen museo. Vartija buddhalaisen temppelin sisäänkäynnillä
Näyttö, yksityiskohta. Genre kohtauksia. Allekirjoittanut Kim Hong-do . Noin 1768. Muste, värit silkillä, kork. 108 cm, W. ch. paneeli 49 cm. Guimet-museo
Puinti riisiä. Kim Hong-do (1745 - noin 1806/18). Albumiarkki, tyylilajit, muste paperille, H. 27,8 cm. Korean kansallismuseo
Nainen lootuspuutarhassa ( Gisaeng, jolla on saenghwang ja piippu). Muste, vaalea s. silkki, H. 29,6 cm. Shin Yun-bok (noin 1758 - noin 1813). Sukupuolikohtaus : naiset. 3 arkkia albumista 7. Korean kansallismuseo.
Kuningas Jeongjo (1752-1800). Banaanipuu . Muste paperilla, 84,6 x 51,6 cm. Donggukin yliopiston museo , Soul.
Kang Sehwang (1713-1791). Arkki albumilta Voyage to Songdo , 1757. Korean kansallismuseo
Tiikeri perhe . Riippuva rulla, muste ja väri, paperi. H. 262 cm. 1700- luvun loppu . Clevelandin taidemuseo
Toinen Joseon-jakso (조선 후기). Japanin (1592-1598) ja Manchu-hyökkäyksiä (1620-1644) vastaan käydyn sodan jälkeinen vaikea jälleenrakennus ulottuu koko XVII - vuosisadan loppuun . Sitten Korea voi vihdoin käydä läpi vuosisadan rauhan ja saavuttaa täysin uudella pohjalla vaurauden ja "valaistumisen vuosisadan". Vuonna XVIII nnen vuosisadan vieressä maalaus oppineita, ammatti maali, kuten Kiinassa, käytännössä koristeellinen tyyli miellyttävää aiheista eläinten pienintä hyönteisiä ja kasveja, havainnoidaan ja huolellisesti transkriboidaan käyttäen paljon enemmän kirkkaat värit kuin lukutaitoisia maalaus, etenkin näytöillä. Näillä näytöillä, erityisesti kirjastot, mutta myös rakennusten esitys käyttää kavalierinäkökulmaa, mutta joskus päinvastoin ruuduilla (todellisen, ei pystysuoran, rinnakkaisuudet poikkeavat esityksestä, kuten länsimaisen vision siirtäminen) . Se täyttää kuitenkin poikkeuksia, joissa erotetaan elementit näkökulma "Länsi" lähentyvät linjat, kuten näytön kirjastoihin Guimet'n museo, alussa XVIII nnen vuosisadan.
XVIII nnen vuosisadan pidetään kulta Korean maalaus. Ming-dynastian romahtaminen osittain Manchusten johtaman sodan ja tämän dynastian liittymisen valtaan Kiinassa ajaa korealaisia taiteilijoita rakentamaan uusia taiteellisia malleja, jotka perustuvat kansallisen tutkimuksen dynamiikkaan. Innovatiivisin taiteilija tässä mielessä on taidemaalari Jeong Seon (Chong Son), jonka maisemat herättävät Korean kauneimpia nähtävyyksiä henkilökohtaisella tyylillä ", mikä tekee hänestä epäilemättä yhden modernimmista maalareista. Korea itse, mutta myös Kaukoidän taiteessa ”. Tuolloin Kiina, osittain avoin kosketuksille länsimaailmaan, jonka jesuiitat välittivät, toimi kannustimena korealaisille taiteilijoille. He antavat itselleen uusia käytäntöjä ja aiheita, jotka merkitsevät kiintymystään todelliseen korealaiseen modernisuuteen, jonka innoittamana ovat silhak-liike (tai sirhak, "konkreettisen tieteen") ja kiinnostus talonpoikia ja pieniä ihmisiä kohtaan.
Kim Hong-do (1745-v.1806 / 18), esittäjän nimi Danwon , maalari Moniportainen samalla varmistaa siirtyminen seuraavalle kaudelle, välillä lopulla XVIII nnen vuosisadan alussa XIX : nnen vuosisadan. Hän omistaa kuuluisan muistikirjan ( genre-maalaus : pungsokhwa tai pungsokdo ) suosittuihin toimintoihin, jotka on kaapattu tarkalla hetkellä toiminnassa. Visio, joka osallistuu aikojen henkeen, kuten Japanissa Edon aikaan , ja painetut kirjat omistettu myös suosituille toiminnoille.
Siten tämän ajan puolivälin maalaus pyrkii kohti enemmän naturalismia. Kim Hongdo ( Danwon ), Guimet-museon näytöllä (1778), poikkeaa kuningas Jeongdon arvostamien genrenäkymien albumeista Japanin vastaavasta virtauksesta, jossa elämän kohtaukset osallistuvat Ukiyo- henkeen . Kim Hondo kohtelee maisemaa yhtä paljon tässä suhteellisen naturalistisessa hengessä, jossa on useita näkymiä vaikuttavista basalttikiteistä Gemgangin alueelta (n. 1788), jossa pari katselee merelle, eristetyn majatalon lähellä. Toisen kuuluisan sivuston (vuoden albumi Byeongjin , 1796) hän muuttaa tyyliään ja pelaa siten musteriteoksessaan erilaisia ilmaisurekistereitä: joko kuvailevampi, ensimmäisessä tapauksessa säännöllisesti tarkka kosketus, on mielikuvituksellinen ja moninkertaistaa vaikutukset harjalla. Mutta hän ei ole periaatteessa kiinnittynyt objektiiviseen visioon. "Muotokuva", jonka hän maalaa omasta puutarhastaan, hänelle käyvän vierailun yhteydessä, todistaa enemmän hänen ihanteestaan kuin todellisuudesta. Silloin hänellä olisi tosiasiassa ollut vain kaupunkilaisen, hovimaalarin elämä, kun taas hän näkee itsensä maalauksessaan, maaseudulla, elävän rennosti, ystäviensä kanssa, gayageumin äänen mukaan . Kim Hongdo käyttää innovatiivista henkensä sieppaamaan arjen kohtauksia, albumin, joka on tehnyt siitä menestyksen Koreassa. He ovat talonpoikia työssä, suosittuja festivaaleja pelinsä ja katsojiensa kanssa, ja myös niitä harvinaisia hetkiä ”eroottisista” yllätyksistä, paljainrintaisilla pesukoneilla ja tuulettimen taakse piilotetulla pienellä huomaamattomalla katseella. Teema otetaan sitten muut maalarit, kuten Shin Yun-Bok (1758 jKr. 1813) on suorempi näkymiä mahdollisesti uimareita alussa XIX : nnen vuosisadan. Genre-kohtauksia sisältävät albumit lisääntyivät tällä kertaa. Nainen lootuspuutarhassa ( gisaeng, jolla on saenghwang ja piippu), joka on yksi naisista koostuvan seitsemän albumin 3 arkkia, on hyvä esimerkki. Suuressa maalauksessa (114 x 45 cm.) Une beauté , naisellisen kauneuden kuva, antaa Shin Yun-bokille mahdollisuuden herättää herkkyytensä valitsemalla hetki, asenne, ilmaisu. Kalligrafian henkilökohtainen muistiinpano osoittaa huumorilla, että hän on ottanut haasteensa tällaiseen hienovaraiseen esittelyyn.
Siilan valtakunnan kuningas Heonggangin (r. 875-886) alusta lähtien perinteen kiinnittää Dragon Kingin, isorokko-jumalan kuva oviin, oli tarkoitus suojata kotia epidemioilta ja erityisesti isorokko. Joseonin aikana tiikereiden ja lohikäärmeiden kuvat liittyivät tähän varhaiseen tapaan. Lunar-uudenvuoden aikaan ja oven molemmille puolille kiinnitettiin kuva tiikeristä ja lohikäärmestä. Ensimmäisen tehtävänä oli ajaa pois pahoja henkiä, sillä lohikäärmeen oli houkuteltava suotuisia henkiä. Tällaiset kuvat muodostavat minhwa- tyylilajin .
Seulamaalaus vuosina 1851–1900. Munjado (vain muutama hahmoihin liittyvä hahmoelementti) liittyy karppiin. H. 76 cm. Brooklyn-museo
Munjado ( XIX th vuosisadan samalla motiivit mutta eri stilisointi)
Kaksi seulamaalausta, täällä lootus ja pioni. K 176 cm. Brooklyn-museo
Chaekgeori- tyyppinen näyttö , jossa on monia onnen symboleja. Detroitin taiteen instituutti
Minhwa tiikerin ja harakka-parin motiivilla. Paperi liimattu kansakylän ovelle ( minsokchon )
Näihin kuviin, joissa oli onnellisuuden toive, liitettiin päivittäin muita kuvia, joiden tarkoituksena oli herättää muita onnen toiveita. Siksi kiinalaisia merkkejä, jotka herättivät muualla Kaukoidässä hyvää onnea, menestystä ja pitkää elämää, löytyy korealaisesta Joseonin kansantaiteesta kungfutselaisuudesta johtuvien koristeltujen ideogrammien muodossa, jotka tunnetaan nimellä munjado ("maalaus kiinalaisilla merkeillä"): Kahdeksan kungfutselaisuutta lapsen hurskaudesta, veljellisestä rakkaudesta, uskollisuudesta, luotettavuudesta, kohteliaisuudesta, kunnioitettavuudesta, säästäväisyydestä ja kyvystä tuntea häpeää. Muut esitykset ovat onnen symboleja: näytöt on koristeltu pioneilla, mutta myös lootuskukilla, feeniksillä ja lepakoilla. Miespuoliset jälkeläiset herättävät vesimelonit, granaattiomenat, viinirypäleet tai lootuksen siemenet. Toive menestyksestä, amarantilla, riikinkukon hännän sulalla, kirjoilla ja karpilla. Lopuksi pitkäikäisyyden toiveet ilmaistaan esittämällä bambu, nosturi, aurinko ja kuu, kilpikonna, peura ja kuolemattomuuden sieni ( lingzhi ). Tällaiset symbolit palvelivat edelleen toistuvina aiheina korealaisessa taiteessa yleensä ja Joseon-ajan ulkopuolella.
Korean kansallispalatsimuseossa on useita näyttöjä, jotka jakavat suosittujen maalausten kanssa samat aiheet kuin pionien maalaaminen.
Cho Man-Yongin muotokuva. 1845. Yi Han-ch'ol (1808-?). Värit paperilla, H. 51 cm. Guimet-museo
Orkideat. "Valot Seonranissa, Sumukissa, Jeju-saarella " (maanpaossa). Kim Chŏng-hui (1786-1857). 난 맹첩. Muste paperilla, 27,0 X 22,9 cm. Gansongin taidemuseo
Lotus ja karppi. Rullalle asennettu seulamaalaus, H. 96,5 cm. Muste ja värit puuvillassa. XIX th vuosisadan. LACMA
An Jung-sik (1861-1919). Virsi puiden keskuudessa , muste paperilla, 1910
Kukat, kalat, mudang ja chaek'kori . Näyttö, XIX th vuosisadan. Värit paperilla,
H. 101, W. 370 cm. Guimet-museo . Lee Ufan -kokoelma
Itäiset palatsit , Donggwol-do . 1828-30. Näyttö, jossa 16 arkkia, värit silkillä, 274 x 578,2 cm. Dong-A-yliopiston museo, Busan.
Maalaus kahdeksanlehdellä. Tammikuun kuukausi. XIX th vuosisadan. Kansallinen palatsimuseo, Soul
Maalaus näytöllä. Tammikuun kuukausi
6-lehtinen näyttö. Irworobongdo : aurinko, kuu ja viisi huippua. L. 270 cm. Kuninkaallinen palatsi.
An Jung-sik (1861-1919). Maisema Yeong-gwangissa . Näyttö, 10 f., 1915. Muste ja väri pieni s. silkki. L. 473 cm. Leeum, Samsungin taidemuseo .
Uusi maisemamaalaustyyli ilmestyy myös: otetaan huomioon havaittuun maisemaan integroidun, lännessä käytetyn arkkitehtonisen tilan esityskoodit. Vuosisadan lopulla An Jung-sik (1881-1919), viimeinen hovimaalari, tuotti varakkaiden perheiden keskuudessa monumentaalisia maisemia tyylillä, joka sisälsi musteen, hänen hienovaraisen harjauksensa ja sen vaaleat värit. , länteen keskittyvän perspektiivin rajalliseen käyttöön. Hän sisällytti nämä uudet elementit vain hyvin herkullisesti ja säilytti kaikki lukutaitoisen perinteen keinot vuoteen 1915 saakka, kun taas maalaus, joka oli suoraan lännen innoittama, omisti öljyvärimaalauksen, ja kääntyi Japaniin XXI - luvun alussa.
Maalaus screen teemalla kirjoja on suuri menestys XVIII nnen ja XIX th vuosisatoja. Tarkemmin sanottuna tämä motiivi, joka tunnetaan nimellä chaekgori , kehittää asetelmia näytöillä ja ne koostuvat tutkijoiden käyttämistä esineistä. Tällöin tapaamme kirjoja, mutta myös kalligrafiikan materiaalia, arvokkaita maljakoita, kukkia ja hajuvesipolttimia sekä monia muita harvinaisia ja koristeellisia esineitä tai joiden arvo on melko symbolinen. Maalari omaksuu näkökulman vaikutukset, joista Kiina on juuri oppinut Pekingissä olevien jesuiittojen kautta ja välittänyt Korean suurlähetystöjen kautta. Prosesseja, jotka voidaan verrata cavalier näkökulma on ollut käytössä Kaukoidän koska Han ajan. Nämä uudet prosessit ovat linjassa maku uudistuksia, rohkaisee liikkumaan Silhak , "käytännön koulutus" aloitteesta Korean encyclopaedists XVII th -luvulla ja tuki kuningas Jeongjo (1752-1800). Nämä näytöt voivat siten herättää uteliaisuuksia, mutta kiinalaisilla ja länsimaisilla tuotteilla, mikä kääntää näkökulman, eksoottisuus koetaan Koreasta. Kirjat Näissä samanlainen tallentaa kaikki paristot XXI nnen vuosisadan näkökohta yllättävän "moderni" tai " minimalistinen ". Näissä selkeissä tiloissa äärimmäisen harvinaiset esineet toistavat teoksia, joiden voi vain kuvitella äärimmäisen älyllisen arvon: "abstrakti fantasia" Lee Ufanin mukaan .
1880-luvulta vuoteen 1945 perinteiset taiteilijat kokivat vaikean ajan. Japanilaiset hyökkääjät yrittivät poistaa ja poistaa korealaista taidetta ryöstämällä ja tuhoamalla taideteoksia, sulkemalla korealaiset taidekoulut ja pakottamalla harvat jäljellä olevat taiteilijat seuraamaan japanilaista tyyliä.
Vuodesta 1910, Japanin miehityksen alaisena, korealainen taide joutui läheiseen kosketukseen länsimaisen taiteen kanssa. Tekniikka öljymaalaus kanssa akateemisen maalaus on käyttöön modernia tyyliä, impressionismi ja fauvismi . Tuolloin tärkeimmän vuosittaisen taidenäyttelyn järjestää siirtomaahallitus, tuomarit ovat japanilaisia tai japanilaisia suosivia yhteistyökumppaneita, jotka suosivat modernismia, siksi öljymaalausta ja pyrkivät sulkemaan pois kalligrafian . Nämä muutokset syrjäyttävät perinteiset korealaiset maalarit. Toisaalta öljymaalaus on huonosti hyväksytty, koska sitä pidetään kolonisaattorin työkaluna korealaisen maalauksen katoamiseen. Lopulta perinteinen maalaus modernisoitui ja muistutti voimakkaasti japanilaista modernia maalausta, joka innoittui voimakkaasti länsimaisesta modernista taiteesta.
Misul : Vuonna 1911 joukko korealaisia maalareita-kalligrafeja perusti ensimmäisen taidekoulun Kalligrafian ja kuvataiteen instituutin ( sohwa misulhoe kangsupso ); se on ensimmäinen kerta, kun Koreassa käytetään länsimaista taidekäsitystä, sanaa misul . Vuonna 1918 ja hetken vaikeuksista huolimatta perustettiin ”Maalareiden ja kalligrafien yhdistys”. Mustepintamaalari An Jung-sik (1861-1919) on sen presidentti. Muut maalarit ovat pääasiassa mustemaalareita, mukaan lukien Jo Seok-jin, O Se-chang, Kim Gyu-jin, Kim Eung-won, Jeong Hak-kyo ja Yi Do-yeong. Moderni taidemaalari Ko Hui-dong tuo uusia ideoita tälle yritykselle. Se avaa ensimmäisen salonginsa vuonna 1921 Hyeopjeon (yhteiskunnan näyttely). Taiteilijoiden kiinnostus uusiin teoksiin ei heijastunut heidän käytäntöönsä, koska he ovat potentiaalisten ostajien konservatiivisen maun alaisia.
Ko Hui-dongin maalauksen (1886-1965) kehitys antaa meille mahdollisuuden havaita siihen liittyvät liikkeet, ja hän on ensin tutkinut länsimaalaustaidetta. Hänen isänsä, Yangbanin perheestä , opiskeli Kiinassa ja tuli ensimmäiseksi korealaiseksi, joka esiintyi englanniksi, sitten hän oli osa ensimmäistä Korean valtuuskuntaa Yhdysvalloissa vuonna 1883. Hän kiinnostui maalauksesta ja runosta. Pieni Ko Hui-dong opiskeli ranskalaisessa Hanseong-koulussa. Hän opiskelee perinteistä maalausta. Vuonna 1909 hän meni Tokioon ja harjoitteli maalausta Kuroda Seikin kanssa Tokion kuvataidekoulussa. Hän näkee kiinalaisen maalausperinteen sulkeutumisena, jossa sekä maalarit että sponsorit joutuivat huoleen kuulumisestaan lukutaitoluokkaan. Vuonna 1915 hän edusti Laundry à la rivière -pariskuntaa , joka työskenteli horisonttiin ulottuvassa maisemassa musteella ja vaalealla värillä silkillä (23 x 27 cm). Palattuaan Tokiosta, jossa hänelle opetettiin öljymaalausta . Kuten Kim Youngna toteaa harvinaisessa modernin ja nykyaikaisen korealaisen taiteensa teoksessa, tämä näennäisesti perinteinen maalaus ei ole. Ensinnäkin aihe, koska tabun rikkominen edustaa miestä ja naista samassa julkisessa tilassa, miehen rintakuva on lisäksi alasti. Maiseman osalta se esittelee läntisen avaruuden kolme tasoa sinertävän etäisyydellä. Ko Hui-dong yhdisti voimansa useiden taiteilijaryhmien kanssa ja opetti muun muassa öljymaalausta. Kaunis öljykuva omakuvasta vuodelta 1915 todistaa hänen hallitsevansa modernia luonnontieteellistä figurointia vihreillä varjoilla kasvoissa ja sini-purppuralla paidassa säilyttäen samalla mallinnuksen hienovaraisuudet.
Monet modernit korealaiset maalarit modernisoivat maalauksensa länsimaisessa naturalistisessa tyylissä perinteisillä keinoilla, väreillä silkillä, mukaan lukien Kim Un-ho vuonna 1923 (muste ja värit paperilla), Chang Woo-soung, vuonna 1943 (monumentaalinen muoto, 215 x 171 cm). Toiset ovat vakaasti sitoutuneet murtumiseen, kuten Yi Ma-dong, hänen muotokuvassaan vuoden 1931 miehestä, öljyssä, yksinkertaisessa pystyssä, voimakkailla helpotuksilla. Sama koskee naismuotokuvia, joiden sisustus on "modernisoitu" gramofonilla tai rennolla asennolla To Sang-bongille vuonna 1933, tai naiselle, joka harjoittaa "miehen ammattia" hänen mikroskoopinsa edessä. precisionistinen tyyli (Yi Yu-tae vuonna 1944). Lopuksi, ongelmallisempia ovat ne, jotka valitsevat "paikalliset värimallit", kuten Lee In-sung (1912-1950), jonka lähestymistapa voidaan yhtä helposti liittää hallitsevaan kolonialismiin tai nationalismin merkkiin.
Kolonisaattori järjesti ensimmäiset taiteilijoiden näyttelyt, ensin japanilaiset, sitten korealaiset vuonna 1916, jonka oletetun päämäärän tarkoituksena oli poistaa osa intellektuelleista. Ensimmäinen “Joseon-taidenäyttely”, jonka suunnitteli ja pääasiassa siirtomaa-asukkaat, pidettiin vuonna 1922. Lisäksi Alaston käyttöönotto taiteellisena tyylilajina häiritsi kungfutselaisia arvoja ja käyttäytymistä. Suurin osa tuomaristojen jäsenistä oli professoreita tai taiteilijoita Tokion kuvataidekoulusta. Ekspressionistiset vääristymät, vaaleanpunaiset värit ovat osoitus voimakkaasta tiedon liikkumisesta Koreaan ulottuvassa kansainvälisessä taidemaailmassa. Tämä ei ehdottomasti pyydä jotakin korealaisen taiteen "identiteetistä" (Pai A-soung, Family , 1930-1935, 140x200 cm.): Etuosa , mallinnettu melkein sävellyksettömän friisi, osittainen symmetria, perinteiset puvut, vähentynyt paletti , mykistetyt äänet. Perhekuva ei voi poiketa naturalismista, ja se etsii "luonnollisesti" muotoilua, jossa vanhat koodit ovat edelleen näkyvissä. Toisaalta monet korealaiset, mukaan lukien jotkut taiteilijat, 1. maaliskuuta tapahtuneen kansannousun ja sen tukahduttamisen jälkeen vuonna 1919, sitten toisen maailmansodan ja sitten Korean sodan (1950-1953) jälkeen yrittävät löytää lännessä. vapaus ja turvallisuus, joihin he eivät pääse omassa maassaan. Pariisi on tyytyväinen muutamaan, jotka ovat peräisin 1950-luvulta Ranskan pääkaupungin kulttuurivaikutuksesta rauhallisessa Euroopassa. Kim Wanki, jonka maalaus kehittyy tyylitetystä hahmosta (1950-luvulta) yksiväriseen abstraktioon (1970-luku), kulkee Pariisin kautta vuosina 1955-1958.
Poikkeuksellinen persoona, Yoo Youngkuk ( 1916-2002) rakensi korealaisen geometrisen abstraktin taiteen ensimmäiset muodot Tokioon, harjoittelunsa aikana Bunka Gakuinin ammattikoulussa 1930-luvulla, mutta itseopetetussa A-reliefissä vuodelta 1939 (rekonstruoitu vuonna 1979) koostuu kuudesta yksivärisestä suorakulmiosta lakattua öljymaalia, jotka ovat osittain päällekkäisiä, toiset vain kosketuksissa kulman kanssa, 6 erillisessä reliefissä suoraan seinälle. Hän oppi myös siellä valokuvaus. Koreassa hän lopetti kaikki taiteelliset käytännöt vuosina 1943–1955. Hänestä tuli sitten maiseman abstraktion edistäjä, joka tunnustettiin kansainvälisesti 1960- ja 1970-luvuilla.
Ensimmäistä sukupolvea maalareita edustavat Kim Jugyong (1902-1981) ja Kil Jinsop (1907-1975), jotka käyttävät öljyä, olivat harvojen etuoikeutettujen joukossa, jotka olivat voineet opiskella Japanissa. Saapuessaan Pohjois-Koreaan he harjoittavat poliittista sitoutumista, Kim valitaan perustuslakineuvostoon ja suorittaa lipun ja kansallisen tunnuksen. Kilistä tulee ratkaiseva teoreetikko pyrittäessä uuteen korealaiseen estetiikkaan. Siirtomaa-ajan jälkeen taiteen yhteensovittaminen on äärimmäisen tärkeää.
1950-luvulla sosialistisella realismilla oli vielä suuri vaikutus. Niinpä aikakauslehti Joson Misul ( korealainen taide ) vuonna 1959 selittää, kuinka säveltää työntekijän muotokuva tällä tyylillä: lihaksikas ja hikinen runko, likainen ja repeytynyt aluspaita ja synkkä ilma. Pian sen jälkeen, 1960-luvulla, Juche- ideologia otettiin käytäntöön: työntekijöitä oli edustettuina siisteinä, hyvin pukeutuneina ja hymyillen kasvoillaan. Myöhemmin vuoden 1972 perustuslain 45 artiklassa Juche-taide määriteltiin muodoltaan kansalliseksi ja sisällöltään sosialistiseksi.
Sodanjälkeisten korealaisten maalareiden kohdalla figuratiivinen maalaus uudistuu tämän sukupolven myötä. Ekspressionistisen, kauhean ohuemman Lee Jung Seobin kuuluisa valkoinen naudanliha (1954) on kuva maasta, sen asukkaista ja taiteilijasta, joka ei voi repiä köyhyydestä. Että Park Soo-Keun (1914-1965) irrotetaan formalismi geometrinen kuviointi, ennen sotaa, käyttöön karkea ”kubistisia” materiaaleja yhteydessä edustus erittäin vaikea aineelliset elinolot Korean kansan. Postitse -sota.
Tänä aikana Pariisin paikka pyrkii haihtumaan amerikkalaisen "höyryrullan" hyväksi, jota tukee aggressiivinen ulkopolitiikka, myös kulttuuritasolla. 1950-luvun amerikkalaiset taidelehdet levittivät nopeasti kuvaa maailmankuuluista, jäljitetyistä teoksista. On New Yorkin koulun aika, jolloin Jackson Pollockista tulee ikoni. Hänen maalauksensa individualismin ja riskin käsitteet esittävät modernin kansainvälisen kulttuurin piirteitä, joihin uusi liberalismi tunnisti kylmän sodan ajan. Lee Ungno (1904-1989), joka harjoitteli mustemaalausperinnettä, opiskeli Japanissa ja löysi uuden elämän Pariisissa vuonna 1958. Hänen omaksuma figuration ja abstraktion nykyaikaisen liikkeen ja perinteisten keinojen, korealaisen musteen ja paperin avulla , yhtyy Korean dynamiikkaan 1980-luvulla, demokratisoitumisvuosina ja sen jälkeen koko osa Korean nykytaidetta.
Abstrakti maalaus hallitsi 1960-luvulla, maalauksen aihe oli erittäin tärkeä. Tämä abstrakti maalaus ulottuu epäviralliseen taiteeseen tai abstraktiin ekspressionismiin . Nämä suuntaukset kootaan Nykytaiteilijoiden Liitto, noin 1957. Näin on Ha Chong-Hyun, monien muiden joukossa, ja Park Seo-bo (1931), 1950-luvulla, monien muiden kanssa. Soulages samoina vuosina. Park Seo-bo nousee sitten usein esiin murskatun öljyn materiaalisuudesta materiaalien herättämiseksi graafisilla keinoilla ( Writings , 1970-luvulta 2000-luvulle) kudeyhdistelmiin, melkein minimalistisiksi, jopa yksivärisiksi. (2017). Muovimateriaalien vähentäminen, joka ilmenee Park Seo-bo: n lähestymistavassa, on ollut taiteessa yleinen suuntaus 1960-luvun lopusta lähtien. Agnès Martinin (1912-2004) maalaukset Yhdysvalloissa ovat hyvä esimerkki. . Tämä virta synnyttää myös näkemyksen kohti aineetonta, melkein erottamattomia, jopa yksivärisiä värejä, kuten Park Seo-bo vuonna 2017.
Aivan erilainen polku, Art minjung , kuuluu figurointiin, kansainväliseen liikkeeseen, joka elvytettiin täällä Korean poliittisessa tilanteessa 1980-luvulla , kenraali Chun Doo-hwanin (vallassa 1980 - 1988) autoritaarisen hallinnon alla . Tuon ajan nuoret taiteilijat vastustavat kapitalismia ja porvarillista kulttuuria, elvyttävät edelleen suosittuja buddhalaisen kuvan perinteet, puupiirrokset, shamanismin maalaukset ja haluavat luoda kansallisen kulttuurin, joka perustuu Korean suosittuihin massoihin. He kritisoivat kiihkeästi nykytaidetta " Taide taiteen vuoksi ". Oh Yoon (O Yun) (1946-1986) on hyvä esimerkki, joka tunnetaan puupiirroksistaan. Siksi hän aktivoi nykyaikaisen ksylografian kaavat ( saksalaiset ekspressionistiset kaiverrukset ennen vuotta 1918) kulttuurisesti hyvin merkittyillä koristeilla Korean sinetillä. Tämä on minjung (en) kulttuurisena, poliittisena ja suosittuna liikkeena demokratian taistelussa. Tämä liike ottaa kansallisesta perinteestä sen, mitä on aikaisemmin devalvoitu: kansantaide , tyylilajimaalaus (esimerkiksi Danwonin piirustukset ), kaiverrukset ja buddhalaisen taiteen narratiivinen luonne, joka on helposti pilaantunut ja joka on kaikille suunnattu.
Mahdollinen ero modernin tai nykytaiteen, implisiittisen "kansainvälisen", ja ehdottomasti "korealaisen" taiteen välillä suosi musteella tai musteella ja väreillä tunnetun maalauksen, joka tunnetaan nimellä Hanguk-hwa, tunnustamista . Tämä figuratiivinen maalaus, joskus yksityiskohtainen realismi, mutta muualla, jossa on voimakkaita vesi- tai mustepelejä, voi johtaa melkein abstraktin maiseman, maiseman abstraktion herättämiseen. Sitä harjoitetaan edelleen vuonna 2016.
1960-luvulta lähtien kansainvälinen taipumus räjähtää genreihin, maalaus, veistos, valokuva, video, esitys ... on luonut uusia ja usein hybridimuotoja. Nykytaide hyötyy yhä enemmän tiedon globalisoitumisesta, ja korealaiset taiteilijat, kuten muutkin, liikkuvat ympäri maailmaa. Tämä ei tarkoita, että kaikki on sama, mutta käsite nykyaikaisesta korealaisesta taiteesta koskee kaikkia korealaista alkuperää olevia taiteilijoita, jotka ovat usein poissa Koreasta, ja koska taiteilijat näyttävät nykyään irrallaan perinteisestä korealaisesta maalauksesta. Kuitenkin heidän viittauksensa Koreaan, heidän tuntemuksensa maasta ja sen historiasta ravitsevat heidän työtä. Lee Ufan asettaa Park Youngsookin posliinille nopean sinisen siveltimen, joka herättää monia yhteyksiä korealaisen taiteen historiaan . Nykytaiteen käytännöt yleistyivät 1970-luvulla, kaikkialla maailmassa, usein monumentaalisiksi ( Mono-ha ), ja ne uusittiin kosketuksissa uusien tekniikoiden, kuten videotaiteen, kanssa . Taiteilijat korostavat lähestymistapaansa valitsemastaan keinosta riippumatta. Siksi maalaus on usein vain keino, joka liittyy usein muihin, jotta saadaan aikaan vaikutus katsojaan. Lee Ufan (1936-) on olennainen hahmo nykytaiteessa, joka käyttää maalausta tässä perspektiivissä. Hän osallistui Tokiossa Mono-ha: n (1968-1975) perustamiseen, kirjaimellisesti "asioiden koulu (mono)". Se kokoaa yhteen erilaisia materiaaleja, mutta myös nämä materiaalit ja ympäröivän tilan. Voi olla, että vuonna 2010 aineksella täytetyn harjan yksinkertainen kiinnitys, joka paljastaa voimakkaimman sinisen keraamisessa uunissa kulkemisen jälkeen, puhtaan valkoisen posliinilevylle, Park Youngsook (1947-). Naoshiman Lee Ufan -museon maalaukset luodaan suhteessa maalauksen tilaan "siveltimillä, jotka näyttävät synkronoituvan taiteilijan rauhallisen hengityksen rytmin kanssa".
Nykytaide, jota harjoittavat korealaista alkuperää olevat taiteilijat, mutta jotka usein asuvat muualla maailmassa, osallistuu taiteellisten muotojen jatkuvaan uudistamiseen, jossa maalaus elää edelleen.